即刻App年轻人的同好社区
下载
【浦东美术馆莫兰迪展笔记 02】
静物画是莫兰迪的重头戏，他毕生的探索都融于其中。莫兰迪年轻时曾跟随潮流短暂探索过立体主义与形而上风格（图 1 为立体主义风格，但仍追求形体的完整性），之后还是决定继续探寻事物与知觉的关系。展览里提到莫兰迪很喜欢乔托与马萨乔的作品，他的静物在构图与色彩上的确受文艺复兴早期湿壁画影响很深。历经时间的打磨，湿壁画的色彩不如刚画上去的那么艳丽，更显出一种沉静感，与稳固的构图一起，塑造出神圣、永恒的气质。
莫兰迪希望在日常之物中找到这种永恒，他一共买了一百多件老旧的瓶瓶罐罐，并且会通过涂抹与灌注颜料的方式改变这些物件的色彩（图 2）。在绘画之前，他会花好几个小时乃至大半天去摆弄这些东西，就像文艺复兴大师思考人物构图、戏剧导演排布舞台那样（图 3 构图的对照来自高翔老师的分享）。莫兰迪桌面上那些圆圈就是他摆弄物件后标记位置所留下的痕迹（图 4）。摆好后他会坐在桌子对面仔细端详、沉思许久，有时要等到第二天再一气呵成将其画下来。可见表现物体的空间秩序以及眼睛与大脑对其的捕捉对莫兰迪来说非常重要。
在 1920 ~ 30 年代，莫兰迪尝试了不同的静物画实验（图 5）。有偏传统写实风格的，也有更显平面性的，显然画家正处于探索之中。但也能看到一些贯穿始终的特点，如偏灰的色调、平视的角度、强调纵向的构图、轮廓与笔触带来的动感……
到 40 年代，莫兰迪的静物风格逐渐成型。色彩的明度通常较为接近，呈现出所谓「莫兰迪色」的效果（但这个新造的概念过度简化了莫兰迪作品的特点）；器物更紧凑地聚在一起，出现较多的留白；物件形体被进一步简化，常通过前后遮挡关系与轮廓阴影来展现空间。总而言之，更平面化、更简单的色彩与形体都在指向抽象色块如何通过脑补成为具像之物的过程。
例如在这幅静物（图 6）中，中间区域的两个蓝色瓶子就很有意思。一个是瓶身为蓝色，一个是瓶颈为蓝色，如果我们头脑里没有瓶子的概念，那很容易把两个蓝色的色块联系到一起。而蓝色瓶颈左右两侧都是同样土黄色的长条色块，但它们却一个是瓶颈，一个是空隙处的背景，而这种区分完全是通过脑补完成的。这让我想起了贡布里希在《艺术的故事》中所强调的「所见」与「所知」的关系，怪不得他在书中当代艺术的章节给莫兰迪点了个大大的赞。这幅画中其他几种色彩的安排也体现了抽象的韵律感，但同时又都表现为具像之物。画面整体平面性很强，但左侧黄色瓶子所展现的侧面，前排瓶子边缘处的阴影又体现出了空间的纵深。这些都是莫兰迪的小把戏。
在「变式」这个展厅中我们可以窥见莫兰迪独特的创作理念。他常用一组同样的器物来摆出不同的样式，探究其细微的区别。例如这两幅（图 7），前者更多展现纵深空间，同时色彩铺得更开，后面的瓶子像是悬浮了起来，整体给人感觉更偏动态；后者则更平面、简洁，两侧的罐子和背景几乎融为一体，也可看作是留白的一种，而中间的大色块聚拢在一起，显得稳固，更偏静态。也可以把第二幅当成第一幅的抽象版本。或许莫兰迪想寻找事物本质的永恒，但他同时发现事物并非只有一种永恒状态。
到晚年，莫兰迪的静物越来越走向平面的抽象。他会把很多器物整齐叠放在一起，也常把不同物件的色彩混在一起（图 8），打破我们头脑中固有的边界，但终究还是没有走向纯粹的抽象。
展览中最后一幅水彩（图 9）就是这一探索的集大成者。你可以问一位从没看过莫兰迪画作的朋友这画的是啥，看瓶瓶罐罐是否能从其脑海中浮现。我们也可以在视觉与知觉的反复切换中继续体会莫兰迪的那句话：「没有什么比现实更加超现实，也没有什么比现实更加抽象。」
静物画是莫兰迪的重头戏，他毕生的探索都融于其中。莫兰迪年轻时曾跟随潮流短暂探索过立体主义与形而上风格（图 1 为立体主义风格，但仍追求形体的完整性），之后还是决定继续探寻事物与知觉的关系。展览里提到莫兰迪很喜欢乔托与马萨乔的作品，他的静物在构图与色彩上的确受文艺复兴早期湿壁画影响很深。历经时间的打磨，湿壁画的色彩不如刚画上去的那么艳丽，更显出一种沉静感，与稳固的构图一起，塑造出神圣、永恒的气质。
莫兰迪希望在日常之物中找到这种永恒，他一共买了一百多件老旧的瓶瓶罐罐，并且会通过涂抹与灌注颜料的方式改变这些物件的色彩（图 2）。在绘画之前，他会花好几个小时乃至大半天去摆弄这些东西，就像文艺复兴大师思考人物构图、戏剧导演排布舞台那样（图 3 构图的对照来自高翔老师的分享）。莫兰迪桌面上那些圆圈就是他摆弄物件后标记位置所留下的痕迹（图 4）。摆好后他会坐在桌子对面仔细端详、沉思许久，有时要等到第二天再一气呵成将其画下来。可见表现物体的空间秩序以及眼睛与大脑对其的捕捉对莫兰迪来说非常重要。
在 1920 ~ 30 年代，莫兰迪尝试了不同的静物画实验（图 5）。有偏传统写实风格的，也有更显平面性的，显然画家正处于探索之中。但也能看到一些贯穿始终的特点，如偏灰的色调、平视的角度、强调纵向的构图、轮廓与笔触带来的动感……
到 40 年代，莫兰迪的静物风格逐渐成型。色彩的明度通常较为接近，呈现出所谓「莫兰迪色」的效果（但这个新造的概念过度简化了莫兰迪作品的特点）；器物更紧凑地聚在一起，出现较多的留白；物件形体被进一步简化，常通过前后遮挡关系与轮廓阴影来展现空间。总而言之，更平面化、更简单的色彩与形体都在指向抽象色块如何通过脑补成为具像之物的过程。
例如在这幅静物（图 6）中，中间区域的两个蓝色瓶子就很有意思。一个是瓶身为蓝色，一个是瓶颈为蓝色，如果我们头脑里没有瓶子的概念，那很容易把两个蓝色的色块联系到一起。而蓝色瓶颈左右两侧都是同样土黄色的长条色块，但它们却一个是瓶颈，一个是空隙处的背景，而这种区分完全是通过脑补完成的。这让我想起了贡布里希在《艺术的故事》中所强调的「所见」与「所知」的关系，怪不得他在书中当代艺术的章节给莫兰迪点了个大大的赞。这幅画中其他几种色彩的安排也体现了抽象的韵律感，但同时又都表现为具像之物。画面整体平面性很强，但左侧黄色瓶子所展现的侧面，前排瓶子边缘处的阴影又体现出了空间的纵深。这些都是莫兰迪的小把戏。
在「变式」这个展厅中我们可以窥见莫兰迪独特的创作理念。他常用一组同样的器物来摆出不同的样式，探究其细微的区别。例如这两幅（图 7），前者更多展现纵深空间，同时色彩铺得更开，后面的瓶子像是悬浮了起来，整体给人感觉更偏动态；后者则更平面、简洁，两侧的罐子和背景几乎融为一体，也可看作是留白的一种，而中间的大色块聚拢在一起，显得稳固，更偏静态。也可以把第二幅当成第一幅的抽象版本。或许莫兰迪想寻找事物本质的永恒，但他同时发现事物并非只有一种永恒状态。
到晚年，莫兰迪的静物越来越走向平面的抽象。他会把很多器物整齐叠放在一起，也常把不同物件的色彩混在一起（图 8），打破我们头脑中固有的边界，但终究还是没有走向纯粹的抽象。
展览中最后一幅水彩（图 9）就是这一探索的集大成者。你可以问一位从没看过莫兰迪画作的朋友这画的是啥，看瓶瓶罐罐是否能从其脑海中浮现。我们也可以在视觉与知觉的反复切换中继续体会莫兰迪的那句话：「没有什么比现实更加超现实，也没有什么比现实更加抽象。」
7 02
欢迎到新华路「来！合作社」逛我们的散步小摊，之后也会不定期做一些小展和各种活动😁
YuxinWu: 漫步观察团有了常驻小摊位😇
3 00
浦东美术馆的展览《乔治·莫兰迪：独白》号称是本世纪以来最大规模的莫兰迪展，汇集了世界各地的莫兰迪画作，策展非常用心，值得一观。
莫兰迪的作品大都是小幅。这次展览特意将天花板压低，将展厅划分出了很多小房间，墙壁地板的色彩、假窗的设置也都是为体现莫兰迪画作与创作过程而精心设计，让人更能沉浸在莫兰迪所创造的那个静谧世界中。（图 1）
展览开篇是莫兰迪 1924 年所绘的自画像（图 2），色彩的运用已展露其独特风格，明度限制在比较小的范围内，显出一种灰蒙蒙的效果（旁边那幅妹妹的肖像则更为明显）。
我个人很喜欢风景画，而莫兰迪的风景画与静物画有异曲同工之妙，也可细品。1913 年的这幅风景很明显带有塞尚的影子（图 3）。拿之前在浦美展出过的塞尚风景（图 4） 对照来看，两者都有不同方向的斜线笔触以及消弭远近距离的平面性，树干的画法也很相似。莫兰迪的平面性则更强一些，你甚至可以将他的风景画看作是一种抽象画，由色块组合成风景。这也是现代主义的探索方向：将自然之物凝结为形体及其背后的秩序本质。另一个有意思的点是前景的树冠往后延伸似乎成了远山的轮廓，在平面性的笼罩下，物体之间的边界也融在了一起，这在莫兰迪之后的画作中尤为明显。
1928 年的这幅风景画（图 5） 中，色彩已经很典型了，主要就是土地的棕黄与树的绿色（有意思的是房子上的两扇小窗正好是这两种颜色），当然这里还加了饱和度比较高的蓝天，这种鲜艳的天空在莫兰迪的风景画中并不常见，使得画面有了更强的对比度。画中的平面色块更为明显，基本没有渐变。如果仔细看前景的树，甚至有种像素画的感觉，这大抵就是莫兰迪所追寻的视觉真实。
在静态的色块之外，莫兰迪的笔触和轮廓线其实是有动感的，尤其是轮廓，有一种轻微的颤动感，这在他晚期画工作室窗外景色的画作（图 6） 中更为明显，甚至有一点梵高的感觉。
再回到色块组合，这幅 1940 年风景就很接近抽象画了（图 7）。树木形体的细节已经没了，房屋也只剩下亮黄色的块面。相应的，构图则非常有秩序。同为亮黄色的房屋与条状土地形成一条斜线，与山坡的轮廓连为一体。这条斜线与左下角向右的斜线一起将画面划分成了几个三角形，夹在上方天空与下方草地之间。如果抛掉头脑中关于天空、树木、房屋、草地的形象，完全可以当成一幅抽象画来看。
注重色块的构成而非具体事物的呈现所造成的一个效果就是不同物体在同样的颜色中已融合到一起。例如这两幅风景（图 8、9），房屋的墙面与地面，乃至不明所以的背景之间都不存在明显的边界。我们完全是靠脑补将其还原成一个个具体的事物。在这种奇妙的脑补中或许我们可以体会到展览所引用莫兰迪的那句话：「我认为，没有什么比现实更加超现实，也没有什么比现实更加抽象。」
莫兰迪的作品大都是小幅。这次展览特意将天花板压低，将展厅划分出了很多小房间，墙壁地板的色彩、假窗的设置也都是为体现莫兰迪画作与创作过程而精心设计，让人更能沉浸在莫兰迪所创造的那个静谧世界中。（图 1）
展览开篇是莫兰迪 1924 年所绘的自画像（图 2），色彩的运用已展露其独特风格，明度限制在比较小的范围内，显出一种灰蒙蒙的效果（旁边那幅妹妹的肖像则更为明显）。
我个人很喜欢风景画，而莫兰迪的风景画与静物画有异曲同工之妙，也可细品。1913 年的这幅风景很明显带有塞尚的影子（图 3）。拿之前在浦美展出过的塞尚风景（图 4） 对照来看，两者都有不同方向的斜线笔触以及消弭远近距离的平面性，树干的画法也很相似。莫兰迪的平面性则更强一些，你甚至可以将他的风景画看作是一种抽象画，由色块组合成风景。这也是现代主义的探索方向：将自然之物凝结为形体及其背后的秩序本质。另一个有意思的点是前景的树冠往后延伸似乎成了远山的轮廓，在平面性的笼罩下，物体之间的边界也融在了一起，这在莫兰迪之后的画作中尤为明显。
1928 年的这幅风景画（图 5） 中，色彩已经很典型了，主要就是土地的棕黄与树的绿色（有意思的是房子上的两扇小窗正好是这两种颜色），当然这里还加了饱和度比较高的蓝天，这种鲜艳的天空在莫兰迪的风景画中并不常见，使得画面有了更强的对比度。画中的平面色块更为明显，基本没有渐变。如果仔细看前景的树，甚至有种像素画的感觉，这大抵就是莫兰迪所追寻的视觉真实。
在静态的色块之外，莫兰迪的笔触和轮廓线其实是有动感的，尤其是轮廓，有一种轻微的颤动感，这在他晚期画工作室窗外景色的画作（图 6） 中更为明显，甚至有一点梵高的感觉。
再回到色块组合，这幅 1940 年风景就很接近抽象画了（图 7）。树木形体的细节已经没了，房屋也只剩下亮黄色的块面。相应的，构图则非常有秩序。同为亮黄色的房屋与条状土地形成一条斜线，与山坡的轮廓连为一体。这条斜线与左下角向右的斜线一起将画面划分成了几个三角形，夹在上方天空与下方草地之间。如果抛掉头脑中关于天空、树木、房屋、草地的形象，完全可以当成一幅抽象画来看。
注重色块的构成而非具体事物的呈现所造成的一个效果就是不同物体在同样的颜色中已融合到一起。例如这两幅风景（图 8、9），房屋的墙面与地面，乃至不明所以的背景之间都不存在明显的边界。我们完全是靠脑补将其还原成一个个具体的事物。在这种奇妙的脑补中或许我们可以体会到展览所引用莫兰迪的那句话：「我认为，没有什么比现实更加超现实，也没有什么比现实更加抽象。」
5 01
周末线下分享，终于要把《艺术的故事》精读这个大坑填完了，欢迎即友们来玩！
【艺术的故事 Vol.37：没有结尾的故事】
🧑🏻💻分享人：斜阳君
📅时间：2026/09/27（本周日） 14:00 ~ 17:00
📍地点：来！合作社（上海新华路 345 弄）
💰费用：68（含一份烘焙点心与饮品）
🖥腾讯会议：145-833-641
《艺术的故事》初版的时候，还停留在现代主义艺术勃兴的时期。待到上世纪 60 年代，我们所谓的「当代艺术」开始登上舞台。面对着日新月异与不断扩张边界的艺术，贡布里希也陆续增写了最后一章，并将其命名为《没有结尾的故事》。毕竟身处历史之中，我们很难知晓：究竟什么才是恒久的成就，什么只是短暂的时尚？
与现代主义带有的反叛色彩不同，当代艺术对于新奇与独特的追求很快就赢得了许多评论家的赞赏（这背后自然也有商业的考量），但同时也有很多人直呼不解：「这也能叫艺术？」
有人开始利用小便池这样的现成之物，有人追寻规模的庞大与材质的多样，有人跳出过去的媒材直接用身体行为来创造艺术，当然也有从现代重新回归传统的创作，还有走大众路线的应用艺术与商业艺术……艺术的面貌与过往确实大有不同，如此多元、如此自由，但也掺杂着诸多别的因素，让人难以界定，乃至贡布里希在最后仍要强调艺术价值的绝对性：「我依然深信，我们能够识别艺术造诣，而这种识别能力与我们个人的好恶没有什么关系。」
本周日下午，阿莱夫读书会 《艺术的故事》精读分享终于来到最后一章，我将带大家进入第 28 章《没有结尾的故事》，感受身处历史之中的新奇与变幻。
面对这个没有结尾的故事，我们不用有任何历史包袱，可以直接表达自己对艺术的种种想法：你有被当代艺术冲击过吗？你喜欢什么样的艺术？人为何需要艺术？你如何看待艺术乃至社会上求新的潮流？想象你自己是一位艺术家，你在当下最想创作什么样的艺术？本次分享结束后，欢迎大家一起来自由交流这些问题，畅聊各自对艺术的理解。
线下参与可以获得：
✅️「若楠的素食烘焙实验室」人气点心
✅️面对面的交流分享
✅️翻阅艺术史相关的图书
线下名额 8 人，想来的朋友速速扫码报名吧！
【艺术的故事 Vol.37：没有结尾的故事】
🧑🏻💻分享人：斜阳君
📅时间：2026/09/27（本周日） 14:00 ~ 17:00
📍地点：来！合作社（上海新华路 345 弄）
💰费用：68（含一份烘焙点心与饮品）
🖥腾讯会议：145-833-641
《艺术的故事》初版的时候，还停留在现代主义艺术勃兴的时期。待到上世纪 60 年代，我们所谓的「当代艺术」开始登上舞台。面对着日新月异与不断扩张边界的艺术，贡布里希也陆续增写了最后一章，并将其命名为《没有结尾的故事》。毕竟身处历史之中，我们很难知晓：究竟什么才是恒久的成就，什么只是短暂的时尚？
与现代主义带有的反叛色彩不同，当代艺术对于新奇与独特的追求很快就赢得了许多评论家的赞赏（这背后自然也有商业的考量），但同时也有很多人直呼不解：「这也能叫艺术？」
有人开始利用小便池这样的现成之物，有人追寻规模的庞大与材质的多样，有人跳出过去的媒材直接用身体行为来创造艺术，当然也有从现代重新回归传统的创作，还有走大众路线的应用艺术与商业艺术……艺术的面貌与过往确实大有不同，如此多元、如此自由，但也掺杂着诸多别的因素，让人难以界定，乃至贡布里希在最后仍要强调艺术价值的绝对性：「我依然深信，我们能够识别艺术造诣，而这种识别能力与我们个人的好恶没有什么关系。」
本周日下午，阿莱夫读书会 《艺术的故事》精读分享终于来到最后一章，我将带大家进入第 28 章《没有结尾的故事》，感受身处历史之中的新奇与变幻。
面对这个没有结尾的故事，我们不用有任何历史包袱，可以直接表达自己对艺术的种种想法：你有被当代艺术冲击过吗？你喜欢什么样的艺术？人为何需要艺术？你如何看待艺术乃至社会上求新的潮流？想象你自己是一位艺术家，你在当下最想创作什么样的艺术？本次分享结束后，欢迎大家一起来自由交流这些问题，畅聊各自对艺术的理解。
线下参与可以获得：
✅️「若楠的素食烘焙实验室」人气点心
✅️面对面的交流分享
✅️翻阅艺术史相关的图书
线下名额 8 人，想来的朋友速速扫码报名吧！
2 00
散步一年，和@YuxinWu 一起摆了个小摊。把荡过的马路凝结成一些实体，新的一年和之后很多年就这样继续走下去吧！欢迎上海的即友们一起来玩😁
5 20
从去年夏末@YuxinWu 随性发起的第一次字体考现夜游活动到现在正好一年。业余时间的收集、探索、游玩给我们带来了很多美好时刻。一颗由兴趣孕育的小种子就这样慢慢发芽，渐渐长出一些枝叶。这次我们会有 citywalk、商场观察、看展、聚餐以及摆摊活动，欢迎一起来玩呀！
YuxinWu: 重启商场漫游系列的一次新尝试，有常规的户外带逛，也有一起做活动看展的part，欢迎周六下午来玩～😇👀 顺便吆喝一下，周六晚上七点半，我们还将闪现dweller的共（工）灵感市集，在延安西路的美丽园大厦里摆个地摊、凑个热闹，路过感兴趣的朋友可以来看看我拍摄的关于上海漫游主题的照片和zine，翻一翻我们平常做路上观察漫游活动的素材和物料。 现场大概会有100张左右明信片大小的摄影照片、一整套按板块划分的上海主城区历史地图、还有我们制作的12条上海citywalk精选路线的讲解素材——虽然这还够不上一个正式的展览，但你可以看到，以兴趣为志业的这一年里，我们为精神世界构筑的实体～ 欢迎报名下午的漫步活动，也欢迎晚上来闲逛交流，现场可以随机带走一些照片/地图/知识散页留做纪念喔：）
2 00
