B乎音乐区特色，连音乐史都没了解过，连音乐人都没听过超500个，就能评出华语乐坛no.1 能评出世界第一歌神。

我打算在即刻开个新系列，按时间顺序科普中国当代流行音乐史的同时，为每个时期推一张专辑。

第一期从1978年地下音乐时期开始，我尽量早点写出来，欢迎关注～

写给第一任老板的歌（真羡慕他好运气，能摊上我这么念旧情的下属/doge）
感念他教会了我最重要的契约精神！还在我作为纯新人的时候，让我先后主导3个项目，体验失败、复盘成长，感恩老板砸钱带我/doge
也是把誓约精神和重视契约誓言的骑士形象相结合，采用大量颤音、琶音、波音，营造出南征北战、如日之升的氛围。
祝愿老板能像开拓骑士一样，把前司开拓成商业帝国😏

“美誉度”过于模糊抽象了。
我猜李老师这个品牌三度，或许就是戴维阿克3.0简化版本的五星资产模型：
“知名度+品牌联想+忠诚度”。
但我更喜欢2.0版本的，更细：
“知名度+感知质量+除感知质量以外的品牌联想+忠诚度”。

午休抽空在西西弗看书，遇到一位顾客和店员基于“私自拆封”的问题争论起来。

如图所示，西西弗的书都是密封编号的，意味着：
工作人员在入库和展陈上，需要做半自动化的信息数据处理。
未拆封和拆封状态的书区隔非常大，拆封成本＝产生一本新的样书。

此时能否拆封需要考虑的指标就很多了，目前这本书的样书量？这本书的库存量？这本书的市场需求度和补货难度/加印情况等等。
我认为是个正常人都会去先咨询一下书店工作人员，这本书想看能不能拆。
很何况西西弗的书店里是有明确标语
“书籍拆封请联系工作人员”。

店员想要要求对方购买下已拆封书籍，但并没有表述出重点。
反复在提及能不能拆要看库存量，还用服装店的购买路径作类比。

实际上他应该提出大前提“顾客应该默认这本书就不能拆，这里不是图书馆或阅读中心”。
提供样书是工作人员的特权行为，顾客只可以要求工作人员新增样书、来为顾客提供品牌体验。
这样的要求总是被允许，不等于顾客能直接越流程私自拆书。
作类比更是进一步打乱逻辑、制造漏洞的最大败笔，并不能让对方理解你。

最后店员很无奈，表示那这次就不需要付费买下了，但请不要继续私自拆封。
他也意识到应该让标语内容更加详细、标语覆盖点位更广，但他没有意识到沟通出了问题。
本来西西弗很占理的一件事，我和身边的另一位顾客都为西西弗感到不平。
但最终西西弗却变成了品牌印象受损的一方。

这是一张写给妹妹的专辑。
我一直有为亲人朋友写歌或者写诗的习惯，因为人类语言很落后、有限制性，艺术语言能更好地传递所思所想和倾述爱。
但我发现，除了同样从业艺术行业的朋友外，大多数亲友是不在乎这样的礼物的。
有的是受限于艺术作品的私密性和门槛，有的是只在乎物质层面的交互。

反倒是叛逆少女样的小堂妹，格外珍视身边人以任何形式给予的关心和礼物，这也是很多小朋友共有的特性。
当她暗示我她生日那天想收到我的歌时，我是很欣喜的。
所以我才打算为妹妹创作一整张专辑，并把版权交给她。也在乐思主题里夹带点私货，平时没法直接给到她的劝告透过“音乐人说”表达给她。
目前进度6/8，比我想象中还要快。

为了告诉妹妹我对她的重视程度，我在这张专辑上突破了我此前不敢尝试的所有弱项：
比如我一直不会配器，但《不可承受的生命之轻》里我用了21件乐器，努力之下听感还意外挺协和；
比如我一直不擅长流行歌曲写作，《我们甚至失去了黄昏》是我目前最佳水平的流行曲；
比如我一直把控不好舞曲的节奏感和蒙太奇，《茫茫黑夜漫游b小调华尔兹》是我目前最佳水平的舞曲；
再比如作为资深中世纪迷，我却一直逃避尝试中世纪音乐风格创作，这次也是为了妹妹写了首爱尔兰风格民谣《Concerto Leprechaun in G major》和仿巫师3配乐风格的《夜莺迟迟不睡》，因为爱尔兰神话中小矮妖的形象＆西方文学中夜莺的形象都太契合妹妹了......

不知道在即刻这样的知识社区输出这种内容，会不会有点奇怪且显得格格不入😂

【补个展评】
艺术家杨凡luna和策展人小璇都是熟识，但我还是要本着良心说展览本身质量一般，是策展人拯救了这个展。
​艺术语言很常规，简单的素材拼贴+对社区内容的收集，艺术意蕴上有所欠缺。
策展人对这个展的定义是“参与式艺术”，作为“一个人”参与到“另一个人”的生活，继而唤起对日常生活的感觉。
（策展人在导览文章里其实还做了更深度解读，很有意思，但在这个展的语境下我不认可）
我更愿意用海德格尔视角去看待这个展览。
​海德格尔认为现代人总陷入笛卡尔的错误：
“将自己解释为一般主体，去陷入主客体的二元对立。去解决两个存在者之间的纷乱，却从不追问存在本身。”
所以艺术家以一种质朴性的方式链接社会，把自己放到了一个社会文化载体的位置上，不受纷乱的干扰才得以领悟“​让所有具体存在者能够存在的那个存在”。
这种艺术作品和德国古典浪漫派诗人荷尔德林的诗歌很像，能揭示“诗的本质”的诗人很多，但荷尔德林是在诗化“诗的本质”。
换句话说，艺术家杨凡没有去赋予作品“艺术意蕴”，而是在“诗化”艺术意蕴本身。
​我尽力在瞎说了，祝凡姐爆红

之前科普奏鸣曲时，提到了一堆人名，也是依次科普下，这次先科普海顿。

1️⃣ “交响乐＆弦乐四重奏”之父
弗朗茨·约瑟夫·海顿（1732-1809），奥地利作曲家、“维也纳古典三杰”之一。

海顿对古典音乐的贡献主要是“交响乐”和“弦乐四重奏”，被同时誉为“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”。

他确立了交响曲、四重奏等体裁的“古典主义风格的典型范式”。

尤其对交响乐体裁的形成和完善作出巨大贡献，确立了交响曲4个乐章的形式，成为交响乐的标准模式。

📚 交响乐4个乐章的标准范式：
① 第一乐章：奏鸣曲式；音乐活跃，充满戏剧性；由两个对立主题作呈示、展开、再现，示意矛盾的起因、发展、暂时性结果

② 第二乐章：三段体或变奏曲形式；曲调缓慢，内容往往表现生活的体验、哲理性的沉思；为交响曲抒情的中心段落。

③ 第三乐章：小步舞曲或诙谐曲；松弛、放懈的篇章；音乐体现了矛盾冲突后的闲暇、休整、娱乐。

④ 第四乐章：采用回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式；内容与矛盾的结果相关；常表现出乐观、肯定的态度，或表现胜利凯歌般的节日欢庆场面。
（Ps：之所以乐观思辨的结尾更常见，得益于17-18世纪的欧洲正迎着“自由、平等、博爱”的启蒙运动思想。
这一时期的维也纳古典乐派三杰海顿、莫扎特、贝多芬的音乐创作和审美欣赏都受其影响）

2️⃣ 海顿的作品
海顿创作了108首交响乐、84首弦乐四重奏、49首钢琴奏鸣曲、20多部清唱剧等作品。

最具代表性的 ——

·交响曲：
《D大调第31号交响曲》（号角）、
《升f小调第45号交响曲》（告别）、
《G大调第94号交响曲》（惊愕）、
《G大调第100号交响曲》（军队）、
《D大调第101号交响曲》（时钟）、
《D大调第104号交响曲》（伦敦）。

·弦乐四重奏：
Op.64之5《“云雀”四重奏》、
Op.76《“皇帝”四重奏》。

·钢琴奏鸣曲：
最为成熟的奏鸣曲作品分别是《D大调第19钢琴奏鸣曲》和《降A大调第46钢琴奏鸣曲》。

·声乐作品：
清唱剧《创世纪》（1798年）


3️⃣ 海顿的生平
海顿6岁加入教堂唱诗班，16岁变声期后离开唱诗班谋求独立。一直贫困潦倒，直至师从意大利著名作曲家、声乐家波尔波拉，学习声乐和作曲。

海顿在交响曲创作道路上也历经坎坷，他初期的交响曲几乎都是应景之作。

实际上，交响曲是西方音乐中一种规模庞大、音响丰富、富于表现力的“大型管弦乐套曲体裁”，因此能更好地描绘音乐形象，来反应社会中的矛盾冲突和人类的情感体验，具有更为广泛的艺术概括力和哲理性表达。

海顿逐渐擅于同时兼顾世俗音乐的审美、宫廷贵族的所思所好、基于自我的艺术意蕴呈示，创作风格也追求结构匀称、全面均衡。

4️⃣ 海顿的交响曲
17世纪90年代，海顿受伦敦音乐会经纪人所罗门之邀，两度旅居伦敦并作12首交响曲，总称为《伦敦交响曲》（或称“扎洛蒙交响曲”、“所罗门交响曲”）。
其旋律明快洒脱、配器手法灵活（尤其是对木管乐器和铜管乐器的运用）、交响曲风格成熟。

其中1791年时创作了第93-98号交响曲，1795年创作了第99-104号交响曲，海顿亲任指挥。
这一整套交响曲既是海顿个人巅峰作，也是早期古典交响曲的最高境界代表。

《D大调第104号交响曲》作为海顿创作的最后一部交响曲，也为他的交响曲作历程作出完美总结并画上句号。

📚 12首交响曲分别为：

《D大调第93号交响曲》
《G大调第94号交响曲》（惊愕）
《c小调第95号交响曲》
《G大调第96号交响曲》（奇迹）
《C大调第97号交响曲》
《降B大调第98号交响曲》
《降E大调第99号交响曲》
《G大调第100号交响曲》（军队）
《D大调第101号交响曲》（时钟）
《降B大调第102号交响曲》
《降E大调第103号交响曲》（鼓声）
《D大调第104号交响曲》（伦敦）

5️⃣ 海顿的四重奏
1797年，已经不再创作交响曲的海顿完成了《皇帝弦乐四重奏》，

《皇帝弦乐四重奏》是海顿的最高水平写作的弦乐四重奏作品，曲式运用更加自如，多声部旋律对位技法使用更加精致且强调逻辑。

其第二乐章本是海顿早前写作的合唱作品《皇帝颂歌》，被奥地利作为国歌。

6️⃣ 海顿的清唱剧
1798年，时值暮年的海顿早已转而创作声乐作品，
或许是在死亡的边缘看到了应许之地，创作的清唱剧《创世纪》被誉为“与亨德尔的《弥赛亚》一样伟大的作品”，被世俗评价为“罕见的宗教作品”。

7️⃣ 总结·海顿音乐的创作特征
旋律朴素、和声明晰、结构匀称；音乐既明快、幽默、轻松，又不乏高贵的气质；
呈现出古典乐派的理想境界，使之成为维也纳古典乐派的奠基人。

Ps：音乐链接即《皇帝四重奏》的第二乐章

罗贝托·波拉尼奥在《荒野侦探》里写道：
“我们写作并不是为了发表，而是为了更好地理解自我，或者只是想看看我们能走多远。”
大家依然可以建议并帮助身边朋友成为博主，因为我们成为博主的目的，不一定是为了要成为博主。
以我自己为例，我每学一门新学科，我就会起一个小红书号。号能不能爆不重要，我只是换个方式践行弗曼学习法。
在把一门学科切分成无数篇小红书笔记之前，需先将知识结构化＆体系化、将知识最简提炼、达成知识＆经验＆态度的统整性、预设一套逻辑＆节奏明了且独特的写作范式，这意味着对一门学问的反复理解记忆与解构。
而小红书这里起到的、区隔于仅在word上记笔记的作用就是：不想断更带来的外驱力、pua自己更标准更有效地做笔记、想看看这个号能带来多少额外惊喜、圈层社交。
这个办法我有成功安利到十几个朋友，大家这么做后或多或少都有收获。
唯一的不足就是，当我学下一门学科时不得不把上一个号销号，否则我就得多养一个手机号/doge

最近奏鸣曲写作比较多，我也确实很偏爱独奏奏鸣曲（主要是我配器课学得稀烂），那就为大家科普一期奏鸣曲历史吧。
1️⃣
奏鸣曲（sonata），词源为意大利文sonare，意为鸣响。
在16世纪前奏鸣曲就已经存在；而到16世纪时，奏鸣曲泛指一切器乐曲（sonata），与声乐曲（cantata）相对。

2️⃣巴洛克时期
巴洛克时期，键盘音乐进入到全盛发展阶段，键盘音乐的创作理论、演奏技术、作品规模、思想深度都得以向前发展。
奏鸣曲也因而有了蓬勃发展的土壤。

17世纪早期，由5段或更多对比性段落组成的器乐合奏作品，通常被称为奏鸣曲；并由此发展成巴洛克式的奏鸣曲、当时的重要体裁——“三重奏鸣曲”。

📚三重奏鸣曲
“三重奏鸣曲”是西方器乐音乐体裁中的最初形式，衍生出了独奏奏鸣曲、协奏曲、室内乐、弦乐四重奏、组曲、交响曲等一系列器乐体裁。
“三重奏鸣曲”包括“教堂奏鸣曲”、“室内奏鸣曲”两种形式。
“教堂奏鸣曲”：严肃，由“慢-快-慢-快”4个乐章组成。多用于宗教仪式，为古典奏鸣曲的前身。
“室内奏鸣曲”：带有舞曲风格，具有世俗性。通常在宫廷、私人客厅中演奏，是古典组曲的前身。

18世纪上半叶，“独奏奏鸣曲”的奏鸣曲形式取代了“三重奏鸣曲”，成为当时最重要的器乐体裁。
巴洛克末期作曲家维瓦尔第，就在奏鸣曲领域颇有建树；
但巴洛克末期对独奏奏鸣曲发展最大贡献的，却是D•斯卡拉蒂。
D•斯卡拉蒂（1685-1757），巴洛克末期作曲家。一生创作555首键盘奏鸣曲，但这些独奏曲更像是练习曲，是作曲家为了解决演奏家在技术上遇到的各种问题而创作的。
D•斯卡拉蒂的奏鸣曲与古典奏鸣曲的意义不同，多为古钢琴而作，且几乎是单乐章形式，多采用二部曲式，音乐清新典雅（参考赏析《斯卡拉蒂奏鸣曲K028》）。

3️⃣古典主义时期
直到C.E.P.巴赫（1714-1788）才确立了近代独奏奏鸣曲的结构范式，也就是古典奏鸣曲的结构形式。
（C.E.P.巴赫是J.S.巴赫的三儿子，J.S.巴赫才是大家最为熟知的那个巴赫）

📚 古典奏鸣曲4个乐章的结构形式：
第一乐章：快板、奏鸣曲式；是奏鸣曲的戏剧性中心所在。
第二乐章：慢板，变奏曲式、复三段式或自由的奏鸣曲式；具有抒情、沉思、冥想的特点。
第三乐章：慢板，复三段式；小步舞曲或诙谐曲。
第四乐章：终曲，是整个套曲的终结乐章；快板或急板；奏鸣曲式或回旋曲式。

18世纪下半叶，古典奏鸣曲的四个乐章形式发生变化；
海顿、莫扎特在奏鸣曲创作中，都省去了以往范式中的第二乐章或第三乐章，从而形成3个乐章的奏鸣曲形式。

后来，在贝多芬（1770-1827）的发展下，奏鸣曲体裁更进一步：
贝多芬的奏鸣曲通常为3个乐章，有的扩展为4个乐章；
在发展过程中，贝多芬的奏鸣曲开始接近交响乐的结构；
贝多芬的32首钢琴奏鸣曲为奏鸣曲体裁做出历史性贡献，包括《悲怆》《月光》《黎明》《热情》等作品，标志着奏鸣曲进入成熟发展时期。

4️⃣浪漫主义时期
在19世纪浪漫主义时期，奏鸣曲始终是由1件或2件乐器演奏的最重要的器乐体裁；
奏鸣曲展现了浪漫主义音乐的特征，主要表现在作品的史诗性、标题性、主题发展性、变奏性、歌唱性等方面；
浪漫主义时期奏鸣曲的乐章数目，发展成了有多乐章、单乐章等形式。
浪漫主义时期对奏鸣曲作出重要贡献的作曲家包括舒伯特、肖邦、李斯特、勃拉姆斯等等。

5️⃣20世纪音乐时期
进入20世纪的奏鸣曲，呈现出多样化的发展态势；
当时重要的作曲家几乎都写过奏鸣曲体裁的乐曲，但风格迥异、形式不同。
例如巴托克的奏鸣曲，融入了民间音乐的元素；斯塔拉文斯基、普罗科菲耶夫等作曲家的奏鸣曲，则受新古典主义的影响；布列兹、潘德列夫茨基则运用新技法进行奏鸣曲创作。

从巴洛克时期到20世纪，奏鸣曲历经起步、发展、完善、突破的整个过程。
具体作品我就不作推荐了，对我而言古典音乐全都是模仿写作的学习对象、都是好的存在；
至于具体的演奏版本，我也无能为每首古典乐曲找到最佳演绎版本。

Ps：本文内容几乎都源自我大学时期听杨九华老师乐史课的笔记。
想看我更新这个系列的话，后续也是可以继续整理出来的，写古典乐史比写当代流行乐史有意思多了。

以秋季台风“摩羯”、“贝碧嘉”、“普拉桑”为原型绘物。
运用大量滑音、模进乐段，复现台风燎原之惨象。

📚 引用潘大的《歌曲写作》，科普下什么“模进乐段”：
·当一句旋律整体向同一个方向以相同的度数进行连续移位，就形成了模进。
被模进的旋律称作“原型”，模进的旋律被称作“复制”。
·在适合的情况下，模进是发展乐句非常简单有效的方法。
由于具有高度相似性，同时在音高上也有方向明确的发展，乐句原型和它的复制乐句可以形成连贯通顺的音乐展开，从而构建出听觉逻辑比较完整的乐段。
·在大多数模进中，复制的次数最好不要超过2次，即“原型+复制不要超过3个乐句”。
以周华健《终于》选段为例：
歌词 ——
“终于把自丨己逼丨到这个地丨步丨
再无力反丨复，反丨正退也无丨路”
对应简谱 ——
“5643丨4--低音6丨5432丨3---丨
4321丨2--3丨477 高音1丨7”
大家可以尝试在最后一个复制乐句（即最后两个小节）前，再自行插入1-2句模进移位的复制乐句。
结果一定是使整个乐段的听感都显得无趣，音乐发展停滞、缺乏必要变化。

个人写作的秋日恋歌，祝大家中秋假期快乐鸭～