发现自己会对作品创作中各环节的先后顺序特别感兴趣。

一个经典例子是设定图vs分镜。分镜需要参考一些设定信息（如根据房屋布局决定镜头构图，根据身形和衣着决定角色动作和特写等），设定图也需要看分镜决定设定内容的添补和方向上的取舍。

两者没有强制的先后，不管哪个先行都能做到60分的作品。问题是如果想做90分的作品正确的顺序是什么。而答案是没有标准答案，取决于主创人员设计的亮点和对自己及团队水平的把握。如果亮点是角色的精细衣着和身型，就应该分镜贴合设定，相当于帮角色“拍”出最美的一面。如果亮点是动作，那就分镜先行，设定根据分镜搭出动线合适的场景同时根据工作量和档期简化角色细节。

以上只是几种情况，真实创作中还会有各种其他侧重点。但万变不离其宗，核心是从“希望观众看到/记住什么”这个终点反推（这点在游戏和其他艺术形式上也适用）。反推过程中涉及的各种艺术相关的决定，需要依靠专业的经验以及别人最难越俎代庖的：导演自己对自己作品的规划。这也就是为什么我一直觉得想做出超凡的作品一定得是导演中心制。

另一个经典例子是画面vs音乐。比较常识的是如果是mv性质的作品（如片头片尾或其他音乐性强的作品）就是音乐先行，画面再去配合。而其他一般叙事类的作品画面就是重点，音乐后配为整体叙事加分但不喧宾夺主。然而如果考虑到成本，需要重复利用bgm的作品（如剧集）音乐就有可能会提前，导演听着已有的音乐再去剪辑或画出画面。这样做最后音画配得上的可能性比导演先自行创作画面再拿一首已成型的音乐试图贴到不同场景里的可能性要大。

先拿样例音乐当作感觉上的参考也是很常见的操作。但这就需要主创沟通清楚在样例中哪些部分是需要保留到最后新的音乐中的、哪些是需要更新的。最近我刚好看到一个没能做好取舍的动画例子。分镜阶段的样例音乐和画面是合拍的，但因为分镜是黑白草稿，最终画面是有色彩、定了型的动画，正式的音乐虽然合上了节奏，但编曲没能配合最终成品中轻盈的都市感，音高也低得像把画面中活泼的色彩也拉低了，只能说有点可惜。

除了成本之外，现实里的其他制约条件也能帮助判断不同环节的先后，很有意思。比如一部音乐剧，同一部片的主演从头到尾得是同一个人，而每个人的声线需要搭配不同的编曲才能使整体音乐更好听（周杰伦：我的声音也是一种乐器），因此编曲就应该在人选确定后配合着对方的声线进行创作。

但作曲却可能需要提前，涉及的是曲子结构、旋律、唱词等。它们是音乐剧观众眼中“故事”的一环，理应和故事一起规划。有了作曲，下一步就可以开始想编舞，而编舞又可以和场景里的道具、光影和角色服装结合起来，玩出更多新花样。

以上感受来自于重看小时候看过的音乐剧电影，虽然情节很简单，没有额外值得琢磨的点，但是边看边思考创作过程中主创团队的取舍又能激发很多新的思考。这就是所谓“早日开始以创作者视角欣赏作品”的乐趣。呈现在屏幕前的只有几十几百分钟，但背后的奥秘像是无穷无尽。