浅谈平面设计中的动物性、人性与神性
昨晚听 GDC 设计师讲座散场后，在深夜里和朋友聊起这个话题，突然有了个有趣的发现——设计行业似乎一直重复着“非主流变主流后属性下降”的循环。
就像现在大量“野生设计”的出现，几年前还带着“反主流”的尖锐棱角，用歪歪扭扭的手写字体和高饱和色彩挑战视觉习惯，如今却成了电商首页的常客，那份叛逆感早就被稀释得所剩无几。这让我想起那句“屠龙勇者终成恶龙”，曾经用来打破常规的设计语言，一旦被市场收编，反而成了新的规训工具。这类曾经带着反骨的设计风格，在成为主流后往往会丧失原有属性，这种变迁不是风格的错，而是审美传播中的必然稀释。就像曾经的“新丑风”，从质疑传统审美的先锋实验，再被品牌批量复制，倒也难逃符号化的命运。
设计审美这东西确实像个善变的小鬼，从早年手绘感满满的插画海报，到包豪斯喊出“形式追随功能”，再到瑞士网格的极致理性，现在又流行起“野生设计”的粗粝感。主流审美从来不是固定的真理，更像是被时代情绪操控的风向标——今天推崇极简，明天可能就拥抱繁复；上半年还在批判“过度设计”，下半年就为“丑得有态度”欢呼。
褪去这些风格，设计的本质似乎未曾改变，我一直说，设计其实就是翻译，把需求翻译成视觉语言，帮特定人群传递信息。那些关于“优秀设计”的争论，从风格上讨论完全没有意义，而应该从更根本的维度去审视：当我们谈论设计时，我们到底在谈论什么？是满足本能的视觉刺激，还是解决问题的理性表达，又或是触碰精神层面的价值共鸣？这大概就是昨晚听讲座后我感受到的“动物性、人性与神性”三个维度。
之所以想谈动物性、人性与神性，是因为当今的设计局面已然被这三个维度占据。先说动物性吧，这个词我其实是最近才知道的，人类都有动物性的一面，也被称为野性、原始性，是最为直观且依靠本能的一种特性，如果参考马斯洛需求层次金字塔，那应该就是最底下的生理需求和安全需求。本来充满动物性的设计其实就是一些廉价的，低成本的设计，因为动物性伴随的便是生存需求，虽然设计上缺乏美感，但是够直接，够让人觉得“好好好，我知道你是什么了”的感受，这种与生存逻辑完全贴合的设计，就像动物通过特定叫声来警告，来求偶，是通过最直接的信号传递完成信息的传达，本质就是“我能满足你什么需求”的快速沟通。现如今，社会审美的提升，不缺乏美感了，反而出现了过度追求形式的设计，目前这一类无法归类的设计，充满了手绘的拙与扭曲的字体，在视觉上制造不舒适感，在信息上设置阅读障碍。当视线掠过那些被刻意扭曲的文字、杂乱堆叠的元素时，生理上的不适感会先于理性判断。作为某种试验性的设计当然是可以的，我自己都想做过类似的设计，但还是需要保证信息传达准确的前提下进行。设计师总想着去挑衅一些东西，挑衅审美，挑衅规则，挑衅视觉。虽说不破不立的前提应当是先立后破，但也不乏“乱拳打死老师傅”的野生流派。只不过就像烧菜一样，过度强调摆盘和调味，往往都不是什么好吃的菜肴，其原理大抵还是共通的。这类为了冲击而去冲击的设计，往往让信息在传递过程中失去了方向。
但同时也有非常吊诡的地方，当我们习惯了规则的版式与画面，偶尔闯入视线中的“视觉野兽”确实能带来很多新鲜感，就像往平静的湖面里投入一块石头，激起的涟漪还是会让人停留，就像男人刷到洗地毯和挖掘机的视频，可谓是男人的减速带一般。但涟漪也终将平静，当秩序走向无序，便是踏入虚无的第一步。当然，无序也可以说是一种风格化的体现。
聊完动物性，接下来聊一下人性，在直播中有位老师提到，设计师不应该只作为设计师，应该作为内容的共创者，不是服务，而是互相成就。这个观点其实很好，有助于提高设计师在行整个行业里的行业地位，但这个观点其实更像我们之后会提到的所谓“神性”的部分，这里暂时按下不表。那么“人性”，顾名思义就是以人作为出发点去思考，去判断。设计还是一个服务性的行业，设计师当然也需要有自己的思考的理解，但违背甲方与客户强行实现自我价值的方式并不可取。我曾打趣说，原研哉老师在一张纸上踩上两脚都是一个极其好的标志。但这个已经超出设计本身，无意冒犯原研哉老师，就像小米的logo设计，我一直认为设计价值的其中一点就在于提供更好的期待，原老师为小米描绘了“ALIVE”的未来价值与品牌定位，这也使得小米公司从平替代工变成了一家科技公司。毕竟对于品牌方来说，能赚到钱的才是好设计，这也是为什么一些国际主义风格和野生设计会被招安，因为这些是被市场验证过的设计，即使客户不懂，但看到这类设计卖的如此之好，便也会欣然接纳。
除了服务部分，我们再聊一下以人出发的情感，在不同的文化语境下的情感表达也是人性的一种体现，我们常说日本的侘寂美学，斑驳的纹理，留白的空间，自然材质的运用，本质上是东方“物哀”哲学的视觉转译——不追求完美，而推崇“残缺中的诗意”，这种“空”并非虚无，而是让观者在留白处填充自身情感，形成“此时无声胜有声”的共鸣。正如部分设计师观察到的，日本设计总能在特定文化群体中引发深层情感共振，正是因为其情感表达深植于民族的集体潜意识。与之相对，新丑风的“刻意失衡”则带着鲜明的当代文化印记。它打破瑞士主义的严格网格，用错位的文字、冲突的色彩、粗糙的肌理挑战传统审美，这种“不完美”恰恰是对过度理性化设计的反叛。有设计师指出，当艺术与设计的界限日益模糊，新丑风作品往往成为设计师个人情感的“呐喊”，其失衡的构图、跳跃的元素，实则是多元社会中个体情绪的视觉投射——焦虑、戏谑、反叛，都在这种“刻意的不和谐”中找到了出口。写此感想的时候恰逢看见某设计群内的讨论，在此引用一下：“甲方的风险在于直面市场，这种风险是设计师没办法分担的，但会被甲方的焦虑转嫁压力，这是设计沟通的核心点。你是穷举，还是分析，还是拿过去的成功案例、获奖说事儿，需要各找办法。姿态是自己做出来的，一开始肯定很低，慢慢地提高自己的姿态和话语权需要时间和积累。”设计师想提高自身的社会地位和姿态，那必然是对职业的身份认同与认可，设计师需要个人的表达，但不可过度表达，设计作品里的每个毛孔都在呐喊，证明着“我是谁”的张力。但带着这些个人宣言般的作品走进职场，就会发现设计不是孤芳自赏的艺术，哪些充满个人风格的字体也被要求换回易读的黑体。这种自我与群体的拉扯，也是当下设计师的迷茫，同样也是我的迷茫，这种双重性也让设计变得暧昧了起来。我们究竟在创作艺术，亦或是提供服务？
但或许这种暧昧本身就是一种答案。佛教中有个概念叫我执，也许放下这种执的时候，也是进入一种新的状态与境界，我想称之为“隐”，也就是常说的大道至简亦或是呼吸般的设计，不强调、不刻意，但能够直击痛点，打动人心。
最后聊聊“神性”吧，这个神性的概念是我自己编的，我其实并不觉得设计中有什么神的部分，只不过是千百年凝练的语言凝固而成的符号，是一种将信仰与哲学思辨压缩成的形态，是一种用符号承载超越性精神的智慧，无论是包豪斯的“功能大于形式”，还是瑞士主义的网格系统，都是通过秩序创造了一种普世的视觉语言。我们经常想做一些超越时间，跨越地理，人人皆懂的设计，这是一种纯粹性的表达。但并非所有的简洁设计都具有超越性的价值，审美也是一种变化的，随着经济、文化、地域的不同会诞生各种趋势。在设计历史上留下持久印记的作品，无论是勒柯布西耶的模度理论，田中一光的极简海报，更多的是一种精神上的追求，不是为了设计一个物件，而是为了传递一种思考方式、一种价值主张。说到底，设计的神性或许就在于：它不与时间对抗，而是在时间中沉淀。当我们放下对短期流行的执念，转向对“什么能经受住十年考验”的思考时，或许才能真正触摸到设计的永恒价值。毕竟，能被时间记住的，从来不是喧嚣的爆款，而是那些安静却有力的凝练之美。
絮絮叨叨说了半天，内容跳跃还望各位读者包涵，篇幅也有限，空了的时候再聊聊设计的“隐”吧。
和而不同，美美与共，美人之美，天下大同。