《让娜·迪尔曼》首先是非常“好看”的，对我这种等人时很爱四处观察的人来说几乎是“天堂般”不打扰走近一个人的时刻，会跟着想“土豆皮”和“婴儿啼哭”对她谁更需要等待、啪嗒啪嗒的灯声背后那个鲜活的人的感受/理性和她的心跳，直到那个时刻才会非常明白为什么一切都变了…… 在这种通俗意义上它也是好看的，而不是许多双年展上故意折磨人的装置。

（看到总有人说《让娜·迪尔曼》“故意”折磨人）

组织大家一起认真学习

我在club真的非常好笑！之前只是能感觉到，这次被人拍了哈哈哈哈～

不过夫妻二人同时在1960年做出了自己行动能力范围内里的义举，确实蛮感人的…… 一种非常复杂、感应般、但有真实感的感人。

关于《给阿嬷的情书》，我会直接想到的有三点：
1. 1960-1978的潮汕侨批、海外关系会让内地的潮汕人遇到什么？（我只知道澄海的大规模**和低价强制结汇，电影里当然用为建设提供支持一笔带过，但是更多具体家庭的经历我不太了解）。
2. 1927年的赎女批在剧情里被改到了1960年，其实还蛮困惑为什么要这么做的？
3. 那些侨批会让我想起汉学家伊沛霞写的《追怀生命》。

《无人驾驶我的车》

五一第一天去了PSA《平形：光影·作品演奏会》展览的艺术家大师课，Flatform两位成员用几组作品介绍了自己常用的工作方法。直观感受上，画面表面上完全光滑、连续、毫无故障痕迹、机械、甚至迟缓，观看者起初仍维持着面对一片风景时那种惰性的、近乎催眠的被动凝视；但只要稍稍留神，就会发现画面里藏着不可能同时发生的事件、不可能共存的空间、不可能并置的焦段。Flatform用一种微妙的方式触及“风景”作为“真实窗口”这一假设的虚构性。

具体到作品上，他们在讲座中介绍了他们在《逆风无物》《57600秒不可见的日与夜》《特伦特交响曲》《将来之地》的工作方法。

1️⃣《逆风无物》看似平常的沿途风光摄影，实际细处很诡异，图像通过将五段影像的特定焦段景物过滤拼贴，声音则是另四段声音（分别是风声、鸟叫等独立声部）按照特定顺序播放。Flatform在这里特别强调自己的工作方法是composition（对素材更元素化重组）而非editing（偏时序）。另外，本次展览的版本用四台独立的播放机播放，你可以看见它们轮流/同时启动停止，算是现场的最大提示，也暗合展览标题“concert”一词。

2️⃣《57600秒不可见的日与夜》则看似明显很多，在不同（至少四个）时间段的同一组人物的同一段行为序列通过略显随意的方式不断切换轨道，一个浅白的日常行为却因为其剪辑而极其人工。

3️⃣《特伦特交响曲》则是我最认真观看的作品，广阔草地背靠群山边走边唱奏《马勒第八交响曲》的巨幅作品实际透过三个并列放置的摄影机完成，并且它们还被概念化为锥形的受限视角，多段时空的素材被细心重组后音乐家不仅会走出某个摄影机的锥形视角，他/她的声音也会消失。这种在开场意图构造的“宏大单一景观”和Flatform实践中悄无声息又趣味十足的软钉子打破了普通观众对景观的预期，也直接点明其中无处不在的编辑属性。

4️⃣其他作品比如《将来之地》、《关于标点符号的探讨》、《虚妄时间的轨迹》、《量子》也无一不在制造幻觉时空与点明编辑者主体在场间维持微妙平衡，创作出某种“清醒梦境”。

平时听的电子乐也有不少艺术家利用自然采样与复合旋律，制造某种自然与编辑性、有机与极度人工、迟缓与高度复杂之间的微妙体验。我觉得这个展览整体还是可以去现场体验的，保持身心放空安静、站在定向喇叭下放细细体验。