#精神外食回顾

一般去时装类展览都比较放松，只要全身心感受日常中少见的华丽服饰就好。但圣罗兰的这场时尚展让我又忍不住做笔记。可惜展览不能拍照，很多图片网上还没有。只能贴一些能找到的：

【图2】Wedding gownAutumn-winter 1977 “Les Chinoises” haute couture collection

纯洁又病娇，梦幻又诡异，像是还没准备好但必须出嫁的婚礼服。这种矛盾感来自于蓬蓬的头套，宽大的袖和肩，有小红帽的既视感。袖口的蝴蝶结长得拖地。圆蓬的头套里面是繁复蕾丝的头巾。整个人都被淹进衣服中了，有种舒适的窒息感。最大的亮点当然是巨大的蝴蝶结拖裙，像翅膀又像玩偶的发条。

【图3】Garment for the Statue of the Virgin of El Rocio 1985

繁复、细节、精致，外面的蕾丝披风带来轻盈的中和，贯穿始终。头巾、披巾和大披巾的长度不同，都恰到好处。珊瑚贝壳主题的皇冠太好看了

【图4】Wedding Gown-Homage to Georges Braque Spring-summer 1988

对一切有鸟类图案的事物没有抵抗力，这条以Georges Braque艺术为灵感创作的飞鸟裙简直太喜欢啦。几何鸟形是Braque的标志，简单的细线轮廓，在不同色块的空中展开双翅。鸟的扁平形式也许是他立体派的起源。YSL的这条裙子也是如此，鸟形的裙贴和头饰在剪裁上模仿Braque画里的立体风格，裙子主体的丝状褶皱缓和了拙硬的线条，手环白色长丝带则增加飘逸感。

【图5】“Babouchka” Wedding Gown, Autumn-winter 1965

圣罗兰对婚姻的批判和戏谑态度在这套婚礼服上又体现出来。雕塑般的厚重服装，平时觉得可爱的图案和装饰此时都变成枷锁，像俄罗斯套娃或茧团。只能看到模特的脸、手和脚，后两者都是收着的，无处安放和展开。

#精神外食回顾

因为学习花艺、喜欢鲜花，以梵高的“向日葵”为契机的静物画展是我的近期最爱。

展览梳理17至20世纪初欧洲静物画的脉络，探讨梵高如何研习传统、树立风格和影响后世。

第一章：17世纪荷兰至19世纪的传统

“静物画于17世纪在欧洲艺术史上确立。它流行于公民阶层兴起、经济发展的荷兰和佛兰德斯（今荷兰、比利时），内容不仅是日常生活用品，还包括山珍海味、稀有工艺品以及象征财富的名贵物件。同时还有以沙漏、熄灭的蜡烛、头骨等寓言性的物体以暗示生死无常的主题。”

【图2】

2.1 Michel Simons - Still Life with Fruits and Lobster
一幅非常典型的欧洲静物——画面被各种细节塞得满满当当，从各种果类的色泽和形态，到金属、布料、花瓣的质感参差都被生动描绘。不过比起很多把属于不同季节、不同大洲的鲜花和水果凑在一起去表现繁盛的静物画比起来，西蒙的这幅有着更明显的暗示。皱巴的橙皮，熟淤的蜜桃，旧色的石榴，零星的虫子... 一切都指向繁华后的衰败。面包和葡萄酒是基督教中的象征物，在这浮奢盈溢、腐朽渐露的景象中强调了道德的重要。

2.2 Henri Fantin Latour - Still Life (Primroses, Pears and Pomegranates)
喜欢这幅画的暖光氛围，盆里那几颗油润的梨堪称完美。

2.3 Henri Fantin Latour - Still Life with a Carafe, Flowers and Fruit
最开始被花瓶中的各种菊类花朵吸引，接着是生熟不一的脆桃，再然后是细真致实的南瓜囊。但最终让我按下快门想要记录的，是左边那只透着红光的墨壶。在深色的背景中差点被忽略，但又是光影表现最佳的一物。十九世纪的法国中产阶级逐渐对荷兰静物画产生兴趣，从而刺激许多法国画家去描绘静物。这幅画就体现了当时法国富贵中产阶级的餐桌景色。

【图3】

3.1 Vincent Van Gogh - Still Life with Straw Hat
梵高渴望成为肖像画家，他将静物画当作掌握绘画技巧、研究色彩和质感的一种手段。这幅是他最早的静物画之一，当时还是学习性质的临摹，鲜明风格还未形成。

3.2 Vincent Van Gogh - Flowers in A Blue Vase Still life with meadow flowers and roses

3.3 Vincent Van Gogh - Still life with Meadow Flowers and Roses
典型的梵高色彩，混厚艳朗，生机涌沸。第一幅有印象派的调调，尤其是背景的点彩风格。仔细看会发现花朵、桌面等不同区块的笔触各异。第二幅则有些不特别“梵高”的元素，虽然色彩依旧浓郁，光影却阴沉了些。

第二章 花卉静物画：论《向日葵》

“花卉可能是静物画中最受欢迎的主题。在17世纪静物画的黄金时代，有许多专门研究花卉的画家。在梵高活跃的19世纪，静物画则处于绘画等级的最底层，历史画和肖像画成为法国艺术界的顶端。不过花卉画的需求量依然很大，许多艺术家都在创作花卉静物画。”

【图4】

4.1 Pieter van de Venne - Vase and Flowers
精细到微粒的笔触，芍药花瓣的丝绸感、郁金香的光泽，还有蝴蝶、贝壳和绒桌布等细节都太喜欢了。

4.2 Gaspar Pieter Verbruggen the Younger - Still life with Fruit and Flowers
17世纪晚期到18世纪园艺技术的发展让欧洲人能接触和使用更多种类的花，这同时也丰富了当时的鲜花静物画。Verbruggen的这幅就是典型，其内容体量和画幅尺寸都令人大饱眼福。逼真却不真实的笔触、复古色调配上工业质地，让画面冲突性十足。

4.3 Cornlis van Spaendock - Still Life with Flowers and Fruits
朦胧、柔细、纯净，Spaendonck的画总漫着春的雾气。视线在左下的圆锥绣球和牡丹上停留许久，沉醉于那晶莹剔透的温柔。希腊风格的装置摆设是当时洛可可式静物画的特征。

第三章：19世纪到20世纪的创新

“‘在绘画中再现事物’的思想随着印象派达到了顶峰。对其‘临摹所见’思想产生怀疑的画家们把注意力集中在色彩、形状等绘画元素上，追寻如何利用它们在二维绘画中表达自己。被称为“后印象派”的梵高、保罗·高更、保罗·塞尚等画家在静物画上开创了一种崭新、自由的风格，这种态度被20世纪的画家所继承。”

【图5】

5.1 Paul Gauguin - Bouquet de fleurs
5.2 Paul Gauguin - Roses et Statuette
高更特有的重彩和粗旷，不同风格大师的静物画对比很有意思～

【图6】

6.1 Vincent Van Gogh - Carafe and Dish with Citrus Fruit
“桌面静物”是静物画的分支，这一点可以从“早餐画”和“厨房画”等相关术语中看出。桌上可以自由组合各种的菜肴和食物，这种灵活性吸引了19世纪的现实主义和印象派画家，以及20世纪的立体派和野兽派，他们利用构图来操纵形式和颜色。
鲜活的色彩和跳脱的线条让梵高的这幅桌面静物并不“静”。波西米亚风墙纸上随机的彩点，柠檬的褶皮，和桌面上漩涡般的弧度，究竟意味着时间的流动，空气的舞蹈，还是某种默涌的思绪？

6.2 Vincent Van Gogh - Basket of Lemons and Bottle
梵高少见的清新之作。阳黄色桌子上放着一篮柠檬和水瓶，背景是黄色调和的绿墙。所有元素都使用相似色调，通过各种笔触来描绘，比如细点和平行线。这个时期的梵高试图通过不同的纹理和触感来体现相同颜色的物体。此画就是这类研究中的例子，梵高称其为“浅色之上的浅色”。

6.3 Vincent Van Gogh - Still Life with a Plate of Onions
看展笔记的结尾，我选择完全能体现梵高个人风格的这幅桌面静物。非常喜欢画中明暗对比：烛灯照不到的暗处也充满层次，阴影也可以五彩斑斓。桌面上的物品都是画家的日常，信件、烟酒、咖啡、火柴、一本关于营养和卫生的书。那几颗发芽的洋葱呢？我总忍不住联想起那句陈词滥调：洋葱没有心。剥到最后什么都没有，只有两只被辣哭的眼睛。正如他的、我们的人生，丰富和痛苦并存，到最后都归于虚无。但是，能在这个过程中感受过、流泪过就很好，就很值得了。

#精神外食回顾

看到好多次大卷伸嗣在东京国立新美术馆免费展的分享，去现场果不其然地惊艳！

展品不多，但足以感受到大卷的艺术风格和魅力。

【图123】Gravity and Grace

在黑暗的长廊空间里，人们向远处发光的巨大花瓶装置走去。

镂空的花瓶里有一台不断变化升降的灯，带着永恒的白炽。随着它的运动，瓶身的花纹折射出不同样态的倒影，从墙面扩散周围。每个人都被它深深吸引，包括我。

离开房间之前，我问伙伴小册子上说这个装置想表达什么？他读：“面对前所未有的由核能引发的人为灾难，大卷使用了84万流明的强光--核裂变爆炸能量的象征性代表。这令人着迷的光让观众像飞蛾扑火一样被吸引，由此，他批判过度依赖电力的社会。”

这句说明真是当头一棒。对于我来说，在黑暗真空中的房间就是景观社会的小小缩影，除了景观制造机和观众没有别的。但其实景观本身也没什么；看似绚丽耀眼的庞然大物，其内在逻辑却如此简单：仅仅是一些图案和聚光，只要足够大，足够集中，足够华丽，就可以吸走人的所有注意力。

有趣的是，即使身处这精心设计的景观之中，很多人依旧在强光下摆拍、刷手机、“醉翁之意不在酒”。这种有内在矛盾的权力撕扯非常有趣。好像我们没有办法被完全控制，总是有疏漏下的自由意志——而这种“自由意志”又是另一种建构下的产物。

【图456】Liminal Air Space—Time

“在观察到一个塑料袋掉进水坑并消失在水面下后，大卷开始思考那些存在但不可见的事物。我们所感知的事物可能与它们的真实本质完全不同。在2012年的个展上，大卷首次使用轻薄的聚酯织物展现闪闪发光的效果，此后又推出了各种版本，在戏剧空间中传达出难以言喻的存在感。他在大学学习雕塑，将围绕空间和时间的运动融入作品中。他认为“雕塑 [可以] 作为一种运动的形式”，并探索了它们与观众的关系和对观众的心理影响。这是他迄今为止最大的装置作品，他使用了像深海生物一样起伏的闪闪发光的织物，创造了一个独特的空间。在这个空间里，外部世界与人的内心世界似乎相互渗透。”

如果说前面的花瓶装置是瞬间的震慑，这片随风涌动、如潮水般起伏的“布阵”则是静缓的觉知。

刚开始，我认为这是深夜的海面。我站在岸边，保持与其触角亲近又安全的距离，感受迎面推进的风，还有织物跃动时光线恰到好处的落脚。

随后我坐了下来，远距离观察“布海”和站在“岸前“的人们。我忽然感觉也许这不是海浪，是心的波澜。情绪随着世事升起、灭去，升起、又灭去了。

这是第一次在美术馆里，感受到禅的时刻。

#本周精神食谱

🍹 饮料 ｜螺丝在拧紧 - Vol. 59 去！那个自由烂漫、俗而有力的泉州

岩中花述 - S3E3 鲁豫对话梁鸿：写作是为了狠狠留住那些会逝去的人和村落

这周喝的博客饮料里最喜欢这两个，刚好都扣紧“故乡”的主题。

「螺丝在拧紧」的这一杯清爽轻盈，适合边做家事边饮用。两位嘉宾带着可爱的南方口音，生动地分享海边城镇的小生活。阿梅关于家乡被动消逝的哭诉、为女儿读纪伯伦的诗都令人动容。像是在海盐汽水里泡一片梅干，在咬到之前只感到隐酸，直到最后才完全释放。我想到曾为要拆掉的外婆家拍过小短片。就算已经做好充分记录和心理准备，当看到树木和草丛被连根拔起时，还是心疼得难以自持。我们也许永远无法做到体面地告别。

「岩中花述」这期则是需要就着饼干或者磅蛋糕，在某个下午慢慢品的热茶。它的层次太丰富了：从梁庄出发，讨论创作的轨迹和意义、家庭关系的反噬和反哺、女性主义的曲折和复杂... 两位深隽女性之间的碰撞，总是耐人寻味。就如评论所说：“梁鸿老师的视角非常的可贵，她来自最底层的乡村社会，在最高学府求学，是人大的教授。她的视角非常有张力，有大的视野，有最细微的人性关怀。” 能从故乡汲取到养分去创作和记录真是一件幸事。是其人之幸运，也是其乡之幸运。虽然每个人心中都有一座梁庄，但太多已在沉默中湮灭了。

#本周精神外食

赶在最后一天看荒木珠奈在上野的展，套展折扣+学生价才400日元，超级便宜，却成为我近期最最喜欢的展览。

如果诗人能进行艺术创作，那便是珠奈的样子。

她的艺术世界充满玄妙的日常，童趣而哲思，温暖又荒诞。

展览是从珠奈的小幅作品开启的，没有正襟危坐的油画，仅仅是照片大小的绘图，像是随意下笔的涂鸦。笔触鲜活、色彩富有想象，即刻将人带入她的颅内游乐场。

【图2】街の太陽（City Sun）、玉げり（Circus Girl）、湖のよる（Night of the Lake）、人形の劇場（Doll Theatre）

在绘画漫游之后，是挂满小房子的一隅。每个房子都装饰不同图案，渗出五颜六色的灯光。观众可以选择挂上自己喜欢的房子，插上电点亮它。

这个装置的灵感来自珠奈驻留过的墨西哥。那些在山间散聚的七彩房屋，夜幕时灯光和星光相互映衬，让她觉得混沌又有诗意。

【图3】詩的な混沌（Poetic Chaos）

第三个展厅也是房子，但是体验完全不同：两面墙摆满木盒房子，透出暖光。有些上着锁，有些敞开着。走近它们，可以看到里面的人在做什么：用餐，阅读，小憩，望天… 你也可以取钥匙去打开想看的房子。工作人员递给我一把415号的钥匙，因为房号被打乱，找了好久才找到它。打开门，看到注视着蝴蝶的猫咪，心头一暖。

此装置灵感来自于珠奈儿时生活的居民区，她邀请大家去感受每一扇门后的温暖气氛。然而事情没有那么单纯快乐。有一团巨大的黑色纤维体正融化般地覆盖整个墙背，它寓示着地震等大自然的力量随时可以摧毁这些美好日常。

【图4】うち（Home）

展览除了特定主题的房间，还有不少珠奈的雕塑作品。她的“牛餐厅”（5.1）非常有名，参照牛肉分布图做成的雕塑，摆进她标志性的小椅子，一头牛就是一间餐厅。多么童趣的表达，带着血腥的真实；“极光剧场”（5.2-3）是在小黑盒里用镜面、串珠和灯光做成的舞台，摆上点睛之笔的白色小椅子，非常可爱；“道”是我很喜欢的作品。月亮形铲车、多角星和树枝支起的彩灯，锈斑代表它们经过的冒险。“末子的太阳”（5.4）是一本木乃伊形状的书封，看到的时候直呼太厉害了；“庇护之处”（5.5) 是召集不同文化国籍背景的孩子一起做的蝴蝶座装置。在珠奈的眼里，每只停留的蝴蝶翅膀下都有栖息的生灵，真是温柔的意象。

【图五】牛レストラン（Cow Restaurant)、Aurora theatre (英文同名)、道（Road）、末子の太陽（NeNe Sol After a Mayan Myth）、Refuge (英文同名)

最后是结合上野历史记忆的展厅。看过许多记录回顾性的展览，珠奈的呈现非常与众不同。人们可以走进她设计的石榴形状笼子，从内环视周围飞舞的光影。有趣的是，那些行走在展厅里的人们，他们的影子也成为历史影像中的一部分，就如珠奈说的：“上野是一个见证了许多历史的地方，包含着不同人的生活。”

【图6】記憶のそこ（In the depth of memory）

我们的脚印正塑造新的历史。

#本周精神聚餐

单向街东京店昨天邀请旅日作家洁尘、东大建筑学教授胡昂来分享日式庭园美学。

就如主理人Helen所说，本以为老师们会从技术角度分析几个有代表性的庭园。没想到，比起探讨“唯物”，他们更侧重“唯心”。欣赏庭园最重要的不是知识，是心境。

以下是一些笔记：

1. 欣赏中式园林需要进入其中，就像国画里描绘的那样：人在园中游，一步一景。日式园林则是坐观，静坐观赏，这和禅宗很有关系。中式是公共性的、宴乐的；日式是私人的、向内的。两者的建筑观念不同。

2. 日式庭园小且细节颇多，这涉及到日本美学里的“虫视”概念：像虫子一样去看观看。人只有把自己放小，才能明白宇宙的浩渺。

3. “参道”是日式庭园很重要的组成部分。它是抵达建筑之前的一条长廊，意在给观者时间慢慢沉静下来，酝酿期待，到达时会更有心去欣赏。比如在进入茶室之前，无论任何人、什么身份，都需要在行走参道中放下自我的包袱，这样抵达时才能用更纯静的心态去品茶和感受。参道是设计手法，也是哲学巧思。

4. 日本人沉醉于“彼岸”的概念。“彼岸”是不能到达之处，其魅力就在于人一定要在对岸看，一旦抵达便了无生趣。

洁尘老师说这与世界级作家三岛由纪夫所说的“美是绝望的”如出一辙：人对美渴望，而美却望而不得，于是渴望变成了绝望。

“彼岸”和“美的绝望”都揭露一种人生真相：我们总在追求某种彼岸并努力无限接近它，但每到一处又有新的彼岸产生。所以我们无法真正达到那个究极的彼岸。

意识到这一点，与其因为得不到而焦灼，应该因为知道得不到而安妥。

5. 关于东西方美学的异同：

西方是对立观，东方是合一观。西方偏好对称、强调功能性，东方不讲究对称，强调建筑和环境的关系（比如四合院中，最重要的是中间的院子）。总的来说，西方比较唯物，东方则更侧重对内心的关照。

没有哪种审美孰优孰劣一说，也没必要一定得成为主流。当然，鉴赏时需要有全景视角，在不了解西方的基础上就决定更偏爱东方，是一种偏颇的行为。胡昂老师自己就是美国留学、英国任教，而后决定回归东方。

6. 培养一种“市中山居”的状态：即使在繁华的东京市中心，也能活出在京都山上的心定神闲。

#本周精神食谱

读《海子诗选》，摘录一些勾起灵感的片段。感觉从他的诗句里，又可以长出诗。

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喝下自己的影子
揪着头发作为翅膀
离开

我们把在黑暗中跳舞的心脏叫做月亮

秋天红色的膝盖
跪在地上
小花死在回家的路上
泪水打湿
鸽子的后脑勺

海湾
蓝色的手掌
睡满了沉船和岛屿
一对对桅杆
在风上相爱
或者分开

人间的寻找
其实是防止丢失

月亮下
一共有两个人
穷人和富人
纽约和耶路撒冷

有一座绿色悬崖倒在牧羊人怀中

两匹马
白马和红马
积雪和枫叶
犹如姐妹
犹如两种病痛
的鲜花

我从此不再写你

我相信天才，耐心和长寿
我相信有人正慢慢地艰难地爱上我

春天揍了我

太阳，我种的

我放水过河

我听见远处天鹅飞越桥梁的声音
我身体里的河水
呼应着她们

今日有粮食却没有饥饿

你是我的
半截的诗
半截用心爱着
半截用肉体埋着
你是我的
半截的诗
不许别人更改一个字

风 吹遍草原
马的骨头 绿了

妈妈又坐在家乡的矮凳子上想我

你在伞中，躲开一切
拒绝泪水和回忆

背诵各自的诗歌
要在麦田里拥抱

总有一些美好的婴儿诞生
那婴儿中就有我 先是牙牙学语
然后学习加减乘除 一次次艰难地造句
学习体育和艺术 终于卷入人生 卷入人生的痛苦
痛苦并非是人类的不幸
痛苦是全人类与生俱来的财富
痛苦产生了人类的老师 伟大的先知 产生了思想和艺术
朋友们，我的祝酒词是
愿你们一生 坎坷痛苦
不愿你们一帆风顺

你的名字像一根白色的绷带 曾经缠绕在我的额头

夜色在山上越长越大

我是一些诗歌草稿
你是一首诗

今晚我不关心人类，我只想你

远方啊 除了遥远 一无所有

我内心混浊而宁静

#本周精神外食

世田谷美术馆的马克·夏加尔（Marc Chagall）“光之诗”展。因为是全日文又无法拍照翻译，很多说明没办法完全看懂。不过能够近距离地感受原作，已胜过千言万语。

借维基百科简短介绍一下夏加尔：“白俄罗斯犹太裔的著名俄法艺术家，游离于印象派、立体派、抽象表现主义等多流派间，作品形式包括绘画、素描、彩色玻璃、舞台布景、陶瓷等。他的画呈现出梦幻、象征性的手法与色彩。'超现实派'一词就是阿波利奈尔为了形容他的作品而创造出来的。”

对于他风格的描述深以为然，确实是象征又梦幻。挑选几幅喜欢的：

【图2】Le corbeau et le renard（乌鸦和狐狸）& La chatte métamorphosée en femme (猫咪变身成女人)

作为寓言故事的黑白插画系列，生动又有风格。第一幅中乌鸦和狐狸的浓重笔触跟背景精细的植物产生对比。第二幅的童话诡异感也很奇妙。

【图3】Decouverte de daphnis par lamon（拉蒙发现达夫尼斯）

羊群、树丛和小片黄阳让人乍看之下感到温馨童趣，但慢慢会觉得有些奇怪：白羊下的婴儿和山顶的打招呼的男子是什么？结合于此再看这幽蓝暗绿的色调，更觉诡异（也许作者本意并非如此，是我自己加的恐怖滤镜）。

【图4】A midi, l'ete（午间夏日）

红色调运用的教科书，篮筐里的水果太好看了。

【图5】Le verger de Philetas (斐利亚的果树园)

不由让人想到亚当夏娃堕入凡间之前伊甸园的场景。看过很多古典风格的诠释，这样随性清新的表达也不错。细节丰富，值得慢慢品味。

【图6】La lecon de Philetas (斐利亚的教诲)

柔美湖泊蓝带来平静的感受，作为爱人亲密场面的背景。爱情最好的样子不是干柴烈火，而是细水长流。

【图7】Le verger (果树园)

太好看了，怎么做到如此凌乱简易的同时给人一种静谧感。夏加尔真是色彩氛围大师。

【图8】Les amoureux（恋人们）

喜欢背景那些用不同颜色的线条勾勒的人，还有柔和渗透的色块。

【图9】Le cirque (马戏团) & La piste jaune(黄色赛马场) & Les cyclistes (骑自行车的人们) & Frontispice (扉页)

最后一个展厅的马戏团系列都好喜欢！同一主题诠释出不同感受：第一幅中意味深长的绿蓝色，比喻着演员的某种心境；第二幅斑斓的配色突显出马戏团的嘈杂丰富，同时带着诡异和荒诞；第三幅以深蓝为主，带着各种不同颜色的点点，下雪般地散落在整个画面中，衬托一种无法名状的情绪；第四幅的骑着马的女杂技演员被描绘得像是圣母，是在暗示着什么呢？

p.s：法语标题翻译得不一定准确

#本周精神外食

去了练马区美术馆的“植物散步”展。除了植物标本（图2）和植物学古籍，大多是日本艺术家对植物（尤其是野花杂草）不同风格的描绘。以下是印象深刻的几个作品：

【图3】冬の静物 - 福井爽人
太喜欢这一幅了！色调清幽，暗中透着光，渐变非常梦幻。精细的笔触和模糊的色块结合得完美。非常喜欢水果上的一抹重色。不能拍局部照片真是太可惜了。

【图4】芙蓉 - 塩出英雄
传统日本画风格描绘一个穿着现代的女孩，非常有意思的碰撞。我不太喜欢日式画勾勒植物时候的古板，但和正襟危坐同时又穿着暴露的女孩摆在一起时，显得很有暗示意味。这幅画好像符合一些对日本人性情的刻板想象。

【图5】野霧 - 佐田勝
这幅画描绘了夜里杂草堆的景象。主色调是营造夜晚的暗蓝和深绿，叶片上覆盖的亮膜和萤火虫般星星点点的黄色花蕊也很生动。中间的空地是神来之笔，给画面带来空气感，对比之下更丰富了夜丛的氛围。

【图6】尾瀬沼の水芭蕉 - 佐藤多持
抽象的水芭蕉，很有意思。

【图7】夕紅 - 森白甫
绿青和黄茶色调与平滑笔触都让画面和谐又柔和，营3造了一种静谧幽微的氛围。好喜欢前景的猫头鹰。

【图8】豊秋禽喜 - 竹原嘲風
毫无疑问地美。震撼于这种风格的细致程度，果上色斑、叶中骨骼、鸟的脚关节都描绘得非常清楚。颜料的厚度差异让画面有轻微的立体效果。

ps: 展览无法拍照，这些图源来自练马区美术馆官网

#本周精神聚餐

这周末单向街东京分店开业，两天参加了三场talk：许知远的新书活动“梁启超在东京”、闾丘露薇的首部长篇小说《浮世玫瑰》、吴琦播客“螺丝在拧紧”听友放松会。以下是一些笔记：

1. 人需要和比自己还要大的事物产生联系，比如历史、比如某种志趣；这样会让自己更开阔，同时也能更好地度过艰难的时刻。

2. 自洽是一个伪命题，尤其在现在这个时代。很少人能够真正地感到舒服、做到知行合一。所以没必要强求自己去追求自洽的状态。

3. 也没必要去纠结身份认同。人本来就是有多重身份的，除了你与生俱来的身份，还有（也许是更重要的）你自己创造的身份。多去体验和尝试，给自己不同身份，不要做一眼就被看完的人。

4. 乐观来讲，历史是进两步退一步的。如果不幸生活在“退一步”的阶段，个人能做的就是尽可能地照顾好自己的思想和身体，努力争取更好的条件，把自己活好后再想其他。就像在飞机事故时，人得先给自己戴空气面罩，再为他人戴。

5. 比起那些飘渺的所谓“人文精神的召唤”，具身的感受和经历更加重要。勇敢不是抽象的概念或性格，而是实际的、行动层面的选择。